Las experiencias cercanas a la muerte desde el punto de vista científico

Durante años, el neurólogo belga Steven Laureys ha recogido historias de experiencias cercanas a la muerte o ECM, de pacientes en coma. Según Laureys "Algunas personas cuentan haber tenido una experiencia fuera del cuerpo, después de haber visto una luz brillante o pasar a través de un túnel; elementos de la famosa experiencia cercana a la muerte por todos bien conocida ".

Los 4 paneles de La Visión del Más Allá del Bosco: la Caída de los Condenados, El Infierno, El Paraíso Terrenal y La Ascensión al Empíreo.

Los pacientes parecen volver más felices y sin temor a la muerte, de acuerdo con Laureys, cuyo equipo ha estudiado 18 supervivientes de un coma. Las personas que han tenido ECM compararon los recuerdos de esta experiencia con los recuerdos intensos de acontecimientos de su vida real, como matrimonios, nacimientos y también con recuerdos de sueños y pensamientos - acontecimientos que no ocurrieron en la realidad. Los recuerdos de las ECM son "aún más reales que la realidad".

Las experiencias son claramente alucinaciones de algún tipo, aunque todavía hay quienes se aferran a la idea mística que sugieren que la consciencia humana puede funcionar de alguna manera independientemente del cerebro. Una idea victoriana de que el "espíritu" puede mirar hacia abajo al cuerpo cuando se aleja (presumiblemente hacia el cielo), antes de volver a contar la historia. Laureys señala que ninguna paciente ha recordado haber visto alguno de los objetos que han sido especialmente colocados en lo alto y fuera de la vista normal en los quirófanos para probar esta idea descabellada.

Sin embargo, sí sabemos que las ECM son el producto de un cerebro en dificultades y que incluso están empezando a entender cómo se producen. Un estudio realizado por Jimo Borjigin y sus colegas de la Universidad de Michigan registró actividad bioeléctrica cerebral en una electroencefalografía (EGG), directamente de los cerebros de nueve ratas, que bajo intensa anestesia se les había puesto una inyección letal de cloruro de potasio en el corazón. Entre 12 y 30 segundos después de un paro cardíaco, los cerebros de las ratas se volvieron sorprendentemente activos, con oscilaciones neuronales altamente coherentes para un intervalo de 20 segundos después de que el corazón y los pulmones dejaron de funcionar.

Si esto refleja un estado de conciencia elevada, como algunos han afirmado, es un tema de debate: son ratas, después de todo. No obstante, Laureys cree que este aumento paradójico en la actividad cerebral no marca una interesante visión de la conciencia en el final de la vida. Más respuestas vendrán cuando, inevitablemente, un paciente moribundo este dentro de un escáner y muestre el último rastro de la consciencia.

Nota: Al profesor Laureys y a sus colegas les gustaría saber si algún lector ha tenido una experiencia cercana a la muerte y este dispuesto a compartir su historia. Si es así ponte en contacto mediante este correo electrónico: coma@ulg.ac.be

+Info:
-Surge of neurophysiological coherence and connectivity in the dying brain
-Characteristics of Near-Death Experiences Memories as Compared to Real and Imagined Events Memories
-The Science of Near-Death Experiences

*Near-death experience artículo publicado con licencia Creative Commons (CC BY 4.0), escrito por Roger Highfield en Mosaic.

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Las naranjas de la muerte en 'El Padrino'

La presencia de naranjas en las tres películas de El Padrino sugiere una muerte inminente, que pronto ocurrirá un evento relacionado con la muerte.

Una especie de metáfora y premonición de lo que les puede llegar a ocurrir a sus personajes.

Todo comenzó de casualidad, como explica el diseñador de producción Dean Tavoularis, al principio las naranjas se utilizaron simplemente para dar una nota de color a las escenas oscuras.

Pero una vez que se dieron cuenta de que en la primera película habían utilizado las naranjas con tanta frecuencia, que en las películas posteriores empezaron a utilizarlas a propósito. Historia que el propio director Francis Ford Coppola corrobora hasta cierto punto en sus comentarios en los extras de la cinta.

Una relación simbólica entre en el mundo de los Corleone y las naranjas, que aparece en 30 escenas de esta trilogía, en las que la presencia de naranjas sugiere que la muerte o la amenaza de violencia para el personaje esta próxima.

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Frankie cumple 100 años

El pasado 12 de diciembre se cumplieron cien años del nacimiento de Frank Sinatra, uno de los mejores cantantes de la historia. Y por este motivo, se estrenó en La 2 el estupendo documental: Frank Sinatra o la Edad de oro americana, estupenda biografía como merecido homenaje del nacimiento de uno de los grandes ídolos del siglo XX.

"En la música, Frank Sinatra puso la voz, Elvis Presley puso el cuerpo... Bob Dylan puso el cerebro" Bruce Springsteen.

Esta película narra dos períodos coincidentes: la edad de oro del legendario cantante y actor con mas estilo, y la del país que él encarnaba. Pero también explora el lado oscuro del hombre y de la América de ese momento.

Concebida como una road movie documental, la película nos lleva desde Nueva York a Los Ángeles, a través de Las Vegas, Palm Springs y Lake Tahoe, siguiendo las huellas aún visibles de un artista excepcional, y del sueño americano del que es inseparable.

El homenaje a Frankie se completó con la emisión de Rat Pack: los cinco chicos malos, una producción británica de la BBC, de 50 minutos de duración, que narra el nacimiento y la escandalosa y desenfrenada carrera de los Rat Pack, un grupo de estrellas con fama de ser los "chicos malos de Hollywood".

Imposible tener mas clase que Sinatra bajando de un helicóptero con una copa de Jack Daniel's en la mano. Foto realizada por el actor Yul Brynner

El Rat Pack, fue el mítico grupo creado por Frank Sinatra a mediados de los años 50 junto a sus amigos Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop. 

Un grupo de artistas famosos por las juergas que se pegaban en Las Vegas y con supuestas vinculaciones con la mafia. Humphrey Bogart y Lauren Bacall también eran algunos de los integrantes de esta 'banda', junto con el Jack Daniel's reserva, la bebida favorita de la Voz, Ol' Blue Eyes o The Chairman of the Board que de todas esas formas era conocido Sinatra.

También en el canal TCM se ha homenajeado a este auténtico mito de la cultura popular contemporánea con el documental producido por la cadena estadounidense HBO: Sinatra: todo o nada, un minucioso y exhaustivo recorrido por la vida y la trayectoria musical y cinematográfica de Frank Sinatra.

Cuatro horas dividas en dos capítulos que se convierten en la biografía más documentada que se ha filmado de La Voz.

Un trabajo nominado a los premios Emmy dirigido por Alex Gibney y en el que intervienen, además del propio Sinatra en distintas entrevistas que concedió a lo largo de su vida, otros muchos cantantes como Harry Belafonte, Bruce Springsteen y Tony Bennett o los hijos del crooner: Frank, Tina y Nancy.

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Cómo se rodó la escena de la ducha de 'Psicosis'

La escena de la ducha de 'Psicosis' (1960) dirigida por Alfred Hitchcock, es posiblemente una de las más famosas y analizadas de la historia del cine.

Secuencia de un film de bajo presupuesto, pero que acabó siendo un gran éxito. Hitchcock quiso demostrar al mundillo de Hollywood que era capaz de hacer una película brillante sin necesidad de gastarse una millonada. 'Psicosis' fue el mayor éxito de su carrera y aumento su prestigio. También le convirtió en multimillonario con los 15 millones de dólares que le correspondían del porcentaje de la taquilla y en el tercer mayor accionista de Universal.

Película pionera no solo en varios aspectos técnicos, sino que también sorprendió a la audiencia en ser la primera en cargarse a la protagonista en los primeros 45 minutos.

En una escena escalofriante repetida y versionada hasta la saciedad en televisión. "Una obra maestra dentro de una obra maestra", de los mejores momentos cinematográficos del cine, rodada del 17 al 23 diciembre de 1959. Fue necesaria una semana, de los 33 días que duró el rodaje para filmar las 70 tomas de la secuencia de 45 segundos.

Xerografía con los fotogramas del storyborad de Saul Bass para la escena de la ducha de Psicosis. Vía Oscars

Realizada con el meticuloso storyboard de Saul Bass, y donde no se ve el cuerpo desnudo de la actriz y ni el cuchillo clavándose en su piel, aunque muchos espectadores juren haberlo visto.

Perfectamente editada y como banda sonora, la violencia de los estridentes violines de Bernard Herrmann, simulando los cuchillazos sobre Marion Crane (Janet Leigh).

La escena fue todo un éxito, pero causó gran revuelo. Incluso un padre enojado escribió a Hitchcock diciendo que su hija se negaba a ducharse después de ver la película. Hitchcock le respondió diciéndole: "Envíela a la tintorería". Un temor a la ducha que también tuvo la propia actriz Janet Leigh, tanto terror tenía que incluso dejó de ducharse durante años.

Jamie Lee Curtis hija de Janet Leigh recrea la famosa escena en un homenaje a su madre (Ver en YouTube)

Vía 1, 2, 3, 4, 5, 6 y 7

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Los secretos de la trilogía de 'Regreso al futuro'

Cualquier fan de la trilogía de 'Regreso al futuro' (Back to the future) sabe que este año se celebra el 30º aniversario de su estreno. Saga que marcó a toda una generación, trilogía considerada una de las más reconocidas de la historia del cine, y mito de los años ochenta.



Pero además en este 2015, concretamente el 21 de octubre es la fecha elegida por "Doc" Emmett Lathrop y Marty McFly para viajar al futuro en la segunda entrega de la saga. Un futuro presente con coches voladores, zapatillas Nike auto-ajustables con robocordones, aeropatines y cazadoras con autosecado.

Aeropatín que este año podría ser real y las Nike Air Mag con autolazada que se vendaran también en este 2015.

Un 2015 que Robert Zemeckis director y guionista de las tres películas, imaginó que se podía viajar subido en un De Lorean DMC-12 convertido en máquina del tiempo con estilo, gracias al condensador de fluzo.  

 El doctor Emmett Brown 'Doc' personaje inspirado en Julio Verne  junto a Marty McFly.

Robert Zemeckis y Bob Gale, quienes escribieron el guión en apenas un fin de semana, llamaron a las puertas de todos los estudios de Hollywood, pero nadie les hizo caso. Tras el éxito que Zemeckis obtuvo con "Tras el Corazón Verde", los estudios se interesaron por "Regreso al futuro", pero Zemeckis y Gale optaron por trabajar con la única persona que les había mostrado interés desde el principio: Steven Spielberg.

Gráfico para entender las diferentes lineas temporales en la trilogía del "Regreso al futuro"

Como guión, "Regreso al futuro" no tuvo una buena acogida, pero tras el estreno hubo tal conmoción que el director decidió hacer una segunda y tercera parte (idea muy lejana al hacer la primera parte) de forma simultánea, siendo una de las primeras sagas en aprovechar recursos, sets y elenco para filmar dos películas al mismo tiempo.

El Condensador de fluzo flujo, "Lo que hace que los viajes en el tiempo sean posibles".

Y para recordar esta efeméride cinéfila os propongo ver dos documentales. Primero como en un viaje en el tiempo, este primer vídeo que muestra los lugares donde se rodó la película, las localizaciones del film en la actualidad:

Y como segundo plato 'Los secretos de la trilogía de Regreso al futuro', fantástico documental que se realizó para el estreno de la tercera parte y con ese toque viejuno (algunos dirán vintage) del VHS:

De postre un Bonus Track: playlist con las 42 canciones de Regreso al Futuro en Spotify. La banda sonora compuesta por Alan Silvestri, compositor musical conocido por sus numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis.

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La sorprendente letra de la canción de 'El puente sobre el río Kwai'

El argumento del puente sobre el río Kwai se basa en una historia real sucedida en 1943. La construcción de un puente para el tren que enlazaría Tailandia con Birmania, por prisioneros de guerra británicos, obligados por los japoneses.

Un obra faraónica la de esta linea de ferrocarril, que se cobró la vida de cien mil prisioneros malayos, birmanos, ingleses, holandeses, estadounidenses y australianos. El puente original fue destruido en 1945 por bombas teleguiadas de la aviación estadounidense. Después de la guerra fue reconstruido.

Puente actual sobre el rió Kwai.

Sobre esos hechos el escritor francés Pierre Boulle que también había sido prisionero de guerra de los japoneses, escribió una novela que fue adaptada al cine en 1957. La película ganó 7 Oscar, uno a su maravillosa banda sonora, de la que sobre todo recordamos la marcha militar, que todos hemos silbado alguna vez.

Melodía que se ha convertido en un clásico de la música del cine y que originalmente no iba a ser silbada. La canción era en realidad una marcha británica, "La marcha del coronel Boggie", compuesta en 1914 por Kenneth J. Alford, y que durante la Segunda Guerra Mundial fue muy popular, llegando a vender un millón de partituras.

Una canción que las tropas inglesas versionaron, añadiendo estrofas con la letra de 'Hitler solo tiene un huevo', tonadilla inglesa que se burlaba de los líderes nazis.

Y así fue que para evitar la censura de la letra de la canción. El director David Lean hizo que al principio del film, cuando los soldados del coronel Nicholson entraban en el campo de concentración, fueran silbando la legendaria melodía, dando así un corte de mangas a los japoneses, aliados de los alemanes. Una letra que debes recordar la próxima que silbes esta marcha marcial:

"Hitler solo tiene un huevo
Goering tiene dos, pero muy pequeños
Himmler tiene algo similar
pero el pobre Goebbels no tiene ninguno (...)" 

Repetir ad nauseam.

La película 'El puente sobre el río Kwai' una de las 50 películas que deberías ver antes de morir:

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El Álbum de la familia Corleone

Te haré una oferta que no podrás rechazar, a casi tres euros la página sale la edición del "Álbum de familia de El Padrino" 444 hojas llenas de fotografías en color y blanco y negro tomadas por Steve Schapiro en el rodaje de la trilogía de 'El Padrino', 1.250 € el ejemplar.

"Si algo nos ha enseñado la historia es que se puede matar a cualquiera." 

Sonny (James Caan) es acribillado en un peaje. La cara y el cuerpo están conectados con 147 diminutos explosivos "squibs», que estallan cuando se tira de ellos.

Las fotografías de 'The Godfather family album', inéditas hasta ahora, como la de Brando en la sesión de maquillaje esbozando una inquietante sonrisa mostrando la verdadera edad que tenia y no la decrepitud que transmite en el filme.

"Mantén cerca a tus amigos, pero aún más cerca a tus enemigos." 

El rodaje estuvo apunto de suspenderse debido a innumerables conflictos detrás de las cámaras. Pero a pesar de las tensiones y del ambiente enrarecido, el set de rodaje no tardó en contagiarse del buen humor y de las bromas entre los actores. Entre las travesuras favoritas de los intérpretes estaba la de enseñar el culo a la más mínima ocasión.

"Los italianos piensan que el mundo es tan duro que hace falta tener dos padres, por eso todos tienen un padrino." 

La mayor de las gamberradas llegó con la escena de la boda. Mientras posaban para la foto, rodeados de 500 extras incluyendo a ancianas e inocentes críos, Robert Duvall vislumbró el 'calvo' definitivo. Brando leyó sus intenciones y ambos se apresuraron a bajarse los pantalones. Los de Duvall se quedaron enganchados, y Brando ganó la carrera, mostrando sus nalgas con hemorroides incluidas. Por ello le regalaron un cinturón con la inscripción 'MOON CHAMPION' (Campeón de los 'calvos').

"No es personal Sonny, sólo negocios" 

Brando nunca se molestó en aprender sus diálogos de memoria, sino que leía sus líneas en una pantalla. Aquella extravagancia no le impidió sin embargo firmar una interpretación estelar. Su papel del decrépito Vito Corleone, con su voz susurrante y su hipnótico porte le valieron el Oscar.

"Dinero y amistad... agua y aceite". 

'El Padrino' fue un libro que despertó el entusiasmo de los propios mafiosos. Desde los teléfonos pinchados por el FBI podían escucharse elogios hacia la obra de Mario Puzo. Sin embargo, existía el temor de que la película creara un estereotipo negativo de los italoamericanos en su retrato de la Mafia.

"Me parece un gran deshonor tener que negar que soy un criminal" 

La presencia de naranjas en la trilogía es presagio de que va a suceder una muerte. Por citar sólo algunos de los muchos ejemplos, Don Corleone muere poco después de estar jugando con una naranja. En la segunda parte, Don Fanucci come una naranja instantes antes de ser asesinado. Y en la tercera entrega, también es una naranja la que cae de la mano de Michael mientras éste exhala su último aliento.

"Que parezca un accidente" 

Vía 5 disparos: 1, 2, 3, 4, 5

Cómo hacer una película de acción y comedia según Jackie Chan

Algunos realizadores pueden hacer increíbles películas de acción, otros divertidas comedias. Pero desde hace 40 años, el maestro que combina de manera perfecta ambos géneros cinematográficos es sin duda Jackie Chan. Maestro de artes marciales, capaz de hacer espectaculares acrobacias en secuencias de acción muy bien coreografiadas y siempre con grandes dosis de humor.

La dedicación de Chan a su oficio es incuestionable, pero tal vez no se le ha dado suficiente crédito como director de películas de acción. En este video, el realizador y montador Tony Zhou explica como Chan ha roto en sus películas las técnicas de encuadre y edición que los directores de Hong Kong utilizan para crear escenas de peleas. En el siguiente video: 'Jackie Chan - How to Do Action Comedy' se pone de relieve muchas de estas técnicas que están ausentes en las películas de Hollywood de hoy en día.

También se explica la importancia del plano general estático para establecer el ritmo y crear claridad y como permite al espectador experimentar la acción y reacción en el mismo plano. Todo un análisis de como rueda el maestro Chan y que se puede resumir en los 9 principios básicos de la comedia de acción según Jackie Chan:

1. Comienza con una desventaja 
2. Utiliza el entorno 
3. Se claro en las escenas 
4. Acción y reacción en el mismo plano
5. Haz todas las tomas que seas necesarias 
6. Deja que el público sienta el ritmo 
7. En la edición, dos buenos golpes = un gran éxito 
8. El dolor es la humanización
9. Gana tu final

Consejos que te pueden ayudar a convertirte en un director de cine:



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50 años del rodaje en España de Doctor Zhivago

Hace 50 años se rodó en España 'Doctor Zhivago', obra maestra basada en la novela de Boris Pasternak. Épica e íntima historia de un médico y poeta soviético, con el corazón dividido entre dos mujeres durante la revolución bolchevique.

Escena en que los cosacos atacan una manifestación pacífica, rodada en el barrio de Canilla (Madrid).

Una novela prohibida por el régimen comunista y que en 1965, el director David Lean llevaba al cine y que al no poder rodar en la Unión Soviética, se decantó por España.

Un descampado del madrileño barrio de Canillas se convirtió en un calle de Moscú y los campos de Soria en las estepas rusas. Un enorme decorado construido durante cinco meses por 800 obreros recreaba con todo detalle una calle moscovita. Se reconstruyeron las tiendas de principios del siglo XX, un tranvía recorría la calle e incluso el Kremlin asomaba al fondo.

La obsesión de Lean por los detalles era tal que, por ejemplo, durante la filmación de la famosa escena de Lara con el vestido rojo, el cineasta gritó "corten" para ordenar que en el espejo del fondo se dibujase un corazón atravesado por una flecha que apenas podía distinguirse en el plano.

Y para que el exterior de la casa donde Yuri y Lara viven su amor -en realidad, un pueblo de Soria- estuviese rodeado de flores, se importaron de Holanda cientos de narcisos amarillos que se plantaron el otoño anterior para que brotasen en el momento de rodar esas escenas, en primavera.

Pese a todo, lo más difícil no fue convertir Canillas en Moscú, ni hacerse con locomotoras de vapor de época, ni las escenas con 3.000 extras. Lo realmente complicado fue conseguir nieve en Soria. En contra de las predicciones meteorológicas, pasaban los meses y no nevaba. Fue el invierno más cálido en 50 años.

Sirva esta entrada para recordar a Omar Sharif recientemente fallecido. Protagonista de este clásico que podéis ver aquí:

Vía 1, 2, 3, 4 , 5 y 6

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El perfil de Quentin Tarantino

Nombre: Quentin Jerome Tarantino.

Lugar y fecha de nacimiento: Knoxville, Tennessee. 27 de marzo de 1963.

Estatura: 1,85 m.

Padres: Tony Tarantino y Connie McHugh más tarde Connie Zastoupil.

Profesión: Director, guionista, productor y actor.

Hijo único de madre adolescente, su padre les abandonó antes de que el naciera. El chaval nunca estuvo dispuesto a estudiar ("No fui a ninguna escuela de cine, solo fui al cine"), pero no le costó conseguir trabajo en un videoclub de Los Ángeles. Allí consumía cinco películas al día y escribía sus guiones, mezclando historias ajenas y robándole frases a los amigos.

Uma Thurman y Quentin Tarantino en el set de Kill Bill Volume 1, 2003.

Irreverente, ("La cámara se inventó para la acción y la violencia"), macarra ("Es un estándar básico en el cine japonés cortar el brazo de alguien y usar mangueras con agua roja como venas, regando sangre por todas partes") y cinéfilo, ("Robo de cualquier película alguna vez hecha").

John Travolta y Quentin Tarantino en el set de Pulp Fiction, 1994.

Hijo también del VHS y dueño de una memoria fotográfica, ya cincuentón sigue fascinando a Hollywood y a los críticos más sesudos, a los intelectuales y al público joven, porque a todos les gusta ver bailar a John Travolta y le hace gracia una broma escatológica.

Quentin Tarantino en el set de malditos Bastardos, 2009.

Para dar cuerpo a sus personajes, Quentin Tarantino crea diálogos rápidos e inteligentes, pero no solo se limita a usar las palabras. El director de Pulp Fiction utiliza la cámara para hacer alusión a las motivaciones y sentimientos - un proceso ahora documentado por el cineasta Rishi Kaneria en su último vídeo donde, combina una gran variedad de perfiles filmados por Tarantino:

Fotos de perfil que generalmente dan menor cantidad de información acerca de los personajes porque no se puede hacer "contacto visual "con ellos y por lo tanto se elimina una forma más directa de evaluación.

"Tranquilícense caballeros. No empecemos a chuparnos las pollas todavía" Winston Lobo.

Y es que cualquiera que haya visto una película del genial e irreverente cineasta, sabe que este tiene un estilo diferente al resto. Y es que su cine se se caracteriza  por emplear historias no lineales, la violencia, el humor negro, las numerosas referencias a la cultura pop, los guiños a otras películas y directores, planos en el interior del maletero de un coche y su fijación por los pies…

Vía, 1, 2, 3, 4 y 5

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El arte del montaje

El profesor Ira Konigsberg, Catedrático de Cine y Lengua Inglesa en la Universidad de Michigan, define en su Diccionario Técnico de Cine el montaje audiovisual como: la unión de los distintos trozos de película para crear una cinta final.

Todo un arte que consiste en escoger, ordenar y unir una selección de los planos a registrar, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador. Una de las disciplinas fundamentales en la realización de una película.

Técnica creativa donde el montador o editor sabe, a veces de manera instintiva, donde debe cortar. En ocasiones no hay directrices en el montaje, un complejo proceso que el  montador Tony Zhou describe en el siguiente video respondiendo a la pregunta "¿Cómo piensa y siente un editor?"

Con el análisis de secuencias de películas como 'Hannah y sus hermanas' y 'El Imperio Contraataca', entre otras, Zhou se sumerge en los intangibles instintos subconscientes y los procesos de pensamiento consciente que impulsan un montaje eficaz.

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Ser Bloguero: El Indio' Fernández modelo para los Oscars, una ciudad egipcia en el desierto californiano y las naranjas del Padrino

Con unos días de retraso, pero fiel a mi cita mensual os muestro el último programa de Ser Bloguero en la Cadena SER de Ávila. En esta ocasión he comentado historias curiosas relacionadas con el cine. Tres post cinematográficos en el mes de los premios Oscar y los Goya.

He recordado la historia 'de El Indio' Fernández, el hombre que sirvió como modelo para las estatuillas de los Oscars,

Después hablamos sobre la ciudad egipcia enterrada bajo las dunas de Guadalupe-Nipomo en California y para finalizar la presencia de naranjas en las tres películas de El Padrino que siempre sugieren una muerte inminente.



Programas de la Segunda Temporada de 'Ser Bloguero' en Meridianos:
El fenómeno de la timidez de los árboles, el árbol más solitario de la Tierra y Gil Parrondo, desde mi ventana
Epostracismo, silbando la canción del Puente sobre el río Kwai y las primeras imágenes de Burgohondo
La mano de un oso, compasión por el diablo y el fuego de San Telmo
La ciudad de los copistas, elecciones electorales surrealistas, la ducha de Psicosis y una canción de Navidad que no es un villancico
El luto de los abogados y jueces, la Gruta de Fingal, la iglesia de Ávila en Madrid y los gansos percebe

Los 10 programas de la Primera temporada de 'Ser Bloguero' en Meridianos

El arte del silencio en el cine de Martin Scorsese

A pesar de que Martin Scorsese es conocido por las eclécticas bandas sonoras y sus grandes momentos musicales, una de sus mejores características es el uso deliberado y magistral del silencio.

Una utilización del sonido capaz de dotar de suspense, dramatismo, elegancia o solemnidad a diferentes momentos. Incluso Scorsese lo utiliza como un recurso cómico, o para subrayar la emotividad de un instante.

Un fantástico análisis del realizador y montador Tony Zhou sobre los silencios en el cine del genio que creó Taxi Driver.

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